Chronologie de la poterie à figures noires

Chronologie de la poterie à figures noires



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Biographie de David Drake - un potier américain esclave

David Drake (1800-1874) était un céramiste afro-américain influent, réduit en esclavage dès sa naissance dans les familles de potiers d'Edgefield, en Caroline du Sud. Également connu sous le nom de Dave the Potter, Dave Pottery, Dave the Slave ou Dave of the Hive, il est connu pour avoir eu plusieurs esclavagistes différents au cours de sa vie, dont Harvey Drake, Reuben Drake, Jasper Gibbs et Lewis Miles. Tous ces hommes étaient en quelque sorte liés à l'entrepreneur de céramique et aux frères asservisseurs, le révérend John Landrum et le Dr Abner Landrum.

Points clés à retenir : Dave le potier

  • Connu pour: Vases en céramique signés extraordinairement grands
  • Aussi connu sous le nom: David Drake, Dave l'esclave, Dave de la ruche, Dave Pottery
  • Née: vers 1800
  • Parents: inconnu
  • Décédés: 1874
  • Éducation: Appris à lire et à écrire des pots tournés par Abner Landrum et/ou Harvey Drake
  • uvres publiées : Au moins 100 pots signés, sans doute beaucoup plus
  • Conjoint: Lydie (?)
  • Enfants: deux (?)
  • Citation notable : "Je me demande où est toute ma relation amitié à tous et à toutes les nations"

Des profils en persévérance

Chaque mois de l'histoire des Noirs, nous avons tendance à célébrer le même casting de personnages historiques. Ce sont les leaders des droits civiques et les abolitionnistes dont nous voyons les visages placardés sur les calendriers et les timbres-poste. Ils refont surface chaque mois de février lorsque la nation commémore les Afro-Américains qui ont transformé l'Amérique.

Ils méritent toutes leurs distinctions. Mais ce mois-ci, nous nous concentrons plutôt sur 28 figures noires séminales – une pour chaque jour de février – qui ne font pas souvent les livres d'histoire.

Chacun a transformé l'Amérique d'une manière profonde. Beaucoup ne correspondent pas à la définition conventionnelle d'un héros. Certains étaient colériques, alourdis par des démons personnels et incompris par leurs contemporains.

L'un était un mystique, un autre était un espion qui se faisait passer pour un esclave, et un autre était un poète brillant mais troublé surnommé le « parrain du rap ». Peu étaient des noms familiers. Tous étaient des pionniers.

Il est temps que ces héros américains obtiennent leur dû.

6 février

Gerald Wilson

Un compositeur de jazz qui a redéfini la musique de big band

Élégant, swinguant, exubérant - il est difficile de trouver un mot pour décrire la musique luxuriante de Gerald Wilson, l'un des chefs d'orchestre les plus importants de l'histoire du jazz. Wilson n'a jamais attiré l'attention des arrangeurs de big bands comme Duke Ellington, mais il était aussi un innovateur majeur dans la musique jazz.

Homme mince et enthousiaste, connu pour sa gentillesse personnelle, Wilson dansait pratiquement lorsqu'il dirigeait son orchestre. Amoureux de nombreux styles musicaux, il a tout intégré du blues, Basie et Bartok dans ses arrangements.

Alors que de nombreux enregistrements de big band semblent datés aujourd'hui, la musique de Wilson sonne toujours à la pointe de la technologie. Un critique a noté que l'influence de Wilson était si large que "même si vous n'aviez jamais entendu parler de lui, vous l'entendiez souvent".

Né à Shelby, Mississippi, Wilson a appris le piano de sa mère. Il a commencé comme trompettiste, a déménagé à Los Angeles et est finalement devenu compositeur-arrangeur, travaillant avec tout le monde, d'Ellington et Count Basie à Ray Charles et Ella Fitzgerald.

À un moment donné, alors que sa carrière était florissante, Wilson s'est éloigné du succès commercial pour étudier des maîtres classiques tels que Stravinsky et Bartok.

Wilson est surtout connu pour ses enregistrements sur le label Pacific Jazz, qui a redéfini la musique des big bands. Un critique a déclaré que la musique Pacific Jazz de Wilson était pleine de "nuances magnifiques et d'une élégance qui n'a pas été égalée depuis cette époque".

Ses arrangements ont été archivés par la Bibliothèque du Congrès et en 1990, le National Endowment for the Arts l'a honoré d'un Jazz Masters Award. À sa mort à 96 ans, un musicien a déclaré que l'énergie de Wilson lui donnait toujours l'impression qu'il était la plus jeune personne de la pièce.

—John Blake, CNN Photo : Tom Copi/Michael Ochs Archives/Getty Images

Amélie Boynton Robinson

Son passage à tabac a contribué à galvaniser le mouvement des droits civiques

Elle gisait inconsciente sur la route, battue et gazée par des soldats de l'État de l'Alabama. Un officier blanc avec un gourdin se tenait au-dessus d'elle.

La femme était Amelia Boynton Robinson, et une photo célèbre de ce moment choquant a contribué à galvaniser le mouvement des droits civiques. Elle a été prise lors de la marche « Bloody Sunday » au pont Edmund Pettus à Selma, Alabama, le 7 mars 1965.

Cette attaque par des officiers blancs contre des manifestants noirs pacifiques a horrifié la nation et a conduit à l'adoption de la loi sur les droits de vote. Il a également révélé la ténacité de Robinson, surnommée "la matriarche du mouvement du droit de vote".

"Je ne cherchais pas la notoriété", a déclaré Robinson plus tard. "Mais si c'était ce qu'il fallait, je me fichais du nombre de coups de langue que j'avais. Cela m'a rendu encore plus déterminé à me battre pour notre cause.

Robinson s'était battu pour le droit de vote des Noirs bien avant Selma. Dès les années 1930, elle inscrivait les électeurs noirs en Alabama – une entreprise courageuse qui aurait pu coûter la vie à Robinson dans le Jim Crow South. En 1964, elle est devenue la première femme afro-américaine à se présenter au Congrès en Alabama.

Le président Obama lui a rendu hommage un demi-siècle plus tard en lui serrant la main – elle était alors fragile et en fauteuil roulant – alors qu'ils traversaient le pont Selma en mars 2015 pour commémorer le 50e anniversaire du Bloody Sunday. Robinson est décédé cinq mois plus tard à l'âge de 104 ans.

"Elle était aussi forte, aussi pleine d'espoir et aussi indomptable d'esprit - aussi typiquement américaine - que je suis sûr qu'elle l'était ce jour-là il y a 50 ans", a déclaré Obama à sa mort. "Pour honorer l'héritage d'un héros américain comme Amelia Boynton, il suffit que nous suivions son exemple - que nous nous battions tous pour protéger le droit de vote de chacun."

—Faith Karimi, CNN Photo : Jacquelyn Martin / Associated Press

James Armistead Lafayette

Il a espionné l'armée britannique en tant qu'agent double

La vie de James Armistead ferait un grand film.

Sous Lafayette, le général français qui a aidé les colons américains à lutter pour leur liberté, il a infiltré l'armée britannique en tant qu'espion vers la fin de la guerre d'Indépendance.

Il a une fois signalé à Benedict Arnold, le colon traître qui a trahi ses troupes pour se battre pour les Britanniques. Et il a fourni des renseignements cruciaux qui ont aidé à vaincre les Britanniques et à mettre fin à la guerre.

Armistead était un esclave en Virginie en 1781 lorsqu'il a obtenu la permission de son propriétaire, qui a aidé à approvisionner l'armée continentale, de se joindre à l'effort de guerre. Lafayette l'a envoyé comme espion, se faisant passer pour un esclave en fuite, et il a rejoint les forces britanniques en Virginie qui appréciaient sa connaissance du terrain local.

Une fois qu'il a gagné leur confiance, Armistead a fait des allers-retours entre les camps des deux armées, fournissant de fausses informations aux Britanniques tout en documentant secrètement leurs stratégies et en les relayant à Lafayette.

Ses informations les plus cruciales détaillaient les plans du général britannique Charles Cornwallis pour déplacer des milliers de soldats de Portsmouth à Yorktown. Armé de cette connaissance, Lafayette a alerté George Washington, et ils ont mis en place un blocus autour de Yorktown qui a conduit à la reddition de Cornwallis.

Les législateurs de Virginie, après le lobbying de Lafayette, ont accordé à Armistead sa liberté en 1787. Son propriétaire, William Armistead, a été payé 250 £.

Armistead s'est marié, a élevé une famille et a passé le reste de sa vie en tant qu'homme libre dans sa propre ferme en Virginie. Il ajouta Lafayette à son nom en signe de gratitude envers le général français. *Certaines sources indiquent que son année de naissance est 1760 et son année de décès 1832.

—Faith Karimi, CNN Photo : Corbis via Getty Images

Major Taylor

Un cycliste intrépide qui a établi des records du monde

Le cyclisme est principalement considéré comme un sport blanc. Mais l'un des hommes les plus rapides à avoir jamais couru sur deux roues était Marshall Walter "Major" Taylor, un Américain qui a dominé le cyclisme de sprint à la fin des années 1800 et au début des années 1900.

Cavalier extrêmement doué, Taylor a remporté la première course amateur à laquelle il a participé, à 14 ans. Il est devenu professionnel quatre ans plus tard et a continué à gagner des courses, la plupart en sprintant sur des pistes ovales au Madison Square Garden et dans d'autres arènes de l'est des États-Unis.

Bientôt, Taylor a participé à des courses à travers l'Europe et l'Australie, devenant le deuxième athlète noir à remporter un championnat du monde dans n'importe quel sport.

Il a fait tout cela en luttant contre les préjugés raciaux amers – souvent de la part de cyclistes blancs qui refusaient de rivaliser avec lui ou tentaient de lui faire du mal pendant les courses. Un rival, après avoir perdu contre Taylor à Boston, l'a attaqué et l'a étouffé sans connaissance.

« Dans la plupart de mes courses, j'ai non seulement lutté pour la victoire, mais aussi pour ma vie et mes membres », a écrit Taylor dans son autobiographie.

Mais cela ne l'a pas empêché d'établir des records du monde, d'attirer des foules immenses et de devenir peut-être le premier athlète de célébrités noires.

—Brandon Griggs, CNN Photo : Bibliothèque du Congrès / Getty Images

Dorothée Hauteur

Elle a passé sa vie à lutter contre le sexisme et le racisme

Dorothy Height était souvent la seule femme dans la pièce. Elle a fait le travail de sa vie pour changer cela, luttant à la fois contre le sexisme et le racisme pour devenir, comme l'appelait le président Obama, la "marraine" du mouvement des droits civiques.

La hauteur a ressenti la piqûre du racisme à un âge précoce. Elle a été acceptée au Barnard College de New York en 1929, mais a appris qu'il n'y avait pas de place pour elle car l'école avait déjà rempli son quota de deux étudiants noirs par an.

Au lieu de cela, elle s'est inscrite à NYU et a obtenu une maîtrise en psychologie de l'éducation. Cela a mené à une carrière de travailleuse sociale à New York et à Washington, où elle a aidé à diriger la YWCA et le United Christian Youth Movement.

En 1958, Height est devenue présidente du Conseil national des femmes noires, poste qu'elle a occupé pendant plus de 40 ans. Dans ce rôle, elle s'est battue sans relâche pour la déségrégation, le logement abordable, la réforme de la justice pénale et d'autres causes.

Dans les années 1960, Height était devenu l'un des principaux conseillers du Dr Martin Luther King Jr.. Les historiens disent qu'en tant qu'organisatrice de la Marche sur Washington, elle était la seule femme militante sur la plate-forme des conférenciers lors du discours « I Have a Dream » de King.

Les historiens disent que ses contributions au mouvement des droits civiques ont été négligées à l'époque en raison de son sexe. Mais au moment de sa mort en 2010, Height avait pris sa place parmi les figures imposantes du mouvement.

"Elle était vraiment une pionnière, et on doit se souvenir d'elle comme l'une de ces âmes courageuses et courageuses qui n'ont jamais abandonné", a déclaré le représentant John Lewis. "Elle était une féministe et une porte-parole majeure des droits des femmes bien avant qu'il n'y ait un mouvement des femmes."

—Nicole Chavez, CNN Photo : Bettmann Archive/Getty Images

Garret Morgan

Ses inventions ont rendu le monde plus sûr

Fils de deux anciens esclaves, Garrett Morgan n'avait guère plus qu'une éducation primaire.

Mais cela n'a pas empêché l'homme de l'Ohio de devenir un inventeur avec un don rare pour concevoir des machines qui ont sauvé des vies - y compris une première version du feu de circulation.

Adolescent, Morgan a obtenu un emploi de réparateur de machines à coudre, ce qui l'a conduit à sa première invention - une machine à coudre relookée - et à sa première entreprise : sa propre entreprise de réparation.

Bientôt, il inventa d'autres produits, dont un lisseur pour les Afro-Américains. En 1916, il a fait breveter une « cagoule de sécurité », un appareil respiratoire personnel qui protégeait les mineurs et les pompiers de la fumée et des gaz nocifs. Il est devenu le précurseur des masques à gaz utilisés par les soldats pendant la Première Guerre mondiale.

Pour éviter la résistance raciste à son produit, Morgan a engagé un acteur blanc pour se faire passer pour l'inventeur alors qu'il portait la cagoule lors des présentations aux acheteurs potentiels.

Plus tard, après avoir été témoin d'un accident de voiture et de buggy, Morgan a été inspiré pour créer un feu de circulation comportant trois signaux : « arrêter », « aller » et « arrêter dans toutes les directions », pour permettre aux piétons de traverser la rue en toute sécurité.

Il y avait aussi un voyant d'avertissement - maintenant le feu jaune d'aujourd'hui - pour avertir les conducteurs qu'ils devraient bientôt s'arrêter. Son feu de circulation a été breveté en 1923 et Morgan a finalement vendu sa conception pour 40 000 $ à General Electric.

Son héritage peut être vu aujourd'hui aux intersections à travers le pays et le monde.


LE JUGEMENT DE PARIS était un concours entre les trois plus belles déesses de l'Olympe – Aphrodite, Héra et Athéna – pour le prix d'une pomme d'or adressée « À la plus belle ». Il choisit Aphrodite, influencé par sa promesse de lui donner Hélène, la plus belle femme, pour épouse.

Matériaux et méthodes de peinture Sur les murs, les méthodes de peinture étaient la détrempe et la fresque sur bois et marbre, la détrempe et l'encaustique - une technique dans laquelle les couleurs étaient mélangées avec de la cire, appliquées sur la surface puis « brûlées » avec un rouge -tige chaud.


La figure noire dans l'art du XVIIIe siècle

Le médaillon de Wedgwood était l'image la plus célèbre d'une personne noire dans tout l'art du XVIIIe siècle. Josiah Wedgwood, le célèbre potier britannique, était un homme de conscience, profondément intéressé par les conséquences de la guerre d'indépendance américaine et de la Révolution française.

Son amitié avec Thomas Clarkson - militant abolitionniste et premier historien du mouvement abolitionniste britannique - a suscité son intérêt pour l'esclavage. Wedgwood a copié le dessin original de la Society for Effecting the Abolition of the Slave Trade sous forme de camée en noir et blanc. L'inscription « ne suis-je pas un homme et un frère ? ' est devenu le slogan des abolitionnistes britanniques et américains. Des médaillons ont même été envoyés en 1788 à Benjamin Franklin qui était alors président de la Pennsylvania Abolition Society.

L'image a été largement reproduite sur des objets domestiques comme la vaisselle et est également devenue populaire sur les accessoires de mode. Selon Clarkson, les messieurs avaient l'image « incrustée d'or sur le couvercle de leurs tabatières ». Parmi les dames, plusieurs les portaient en bracelets, et d'autres les faisaient monter de manière ornementale en épingles pour les cheveux. Enfin, le goût de les porter s'est généralisé et ainsi la mode, qui s'en tient ordinairement aux choses sans valeur, a été vue pour une fois dans le bureau honorable de promouvoir la cause de la justice, de l'humanité et de la liberté.

Bien que la figure noire agenouillée soit docile et suppliante (ne reflétant rien des fréquentes rébellions féroces des esclaves dans les plantations du Nouveau Monde), l'image a néanmoins contribué à galvaniser le soutien à la cause abolitionniste. Benjamin Franklin a déclaré que l'efficacité du médaillon était « égale à celle du pamphlet le mieux écrit, en procurant la faveur à ces peuples opprimés ».


Contenu

L'intérêt pour l'art grec a pris du retard par rapport au renouveau de l'érudition classique pendant la Renaissance et a repris dans le cercle universitaire autour de Nicolas Poussin à Rome dans les années 1630. Bien que de modestes collections de vases récupérés dans des tombes anciennes en Italie aient été constituées aux XVe et XVIe siècles, elles étaient considérées comme étrusques. Il est possible que Lorenzo de Medici ait acheté plusieurs vases attiques directement de Grèce [3] mais le lien entre eux et les exemples fouillés en Italie centrale n'a été fait que beaucoup plus tard. de Winckelmann Geschichte der Kunst des Alterthums de 1764 a d'abord réfuté l'origine étrusque de ce que nous savons maintenant être de la poterie grecque [4] pourtant les deux collections de Sir William Hamilton, l'une perdue en mer l'autre maintenant au British Museum, étaient toujours publiées sous le nom de « vases étrusques ». 1837 avec Stackelberg Gräber der Hellenen pour mettre définitivement fin à la polémique. [5]

Une grande partie des premières études sur les vases grecs a pris la forme de la production d'albums des images qu'ils représentent, mais ni les folios de D'Hancarville ni de Tischbein n'enregistrent les formes ou ne tentent de fournir une date et ne sont donc pas fiables en tant que document archéologique. De sérieuses tentatives d'études scientifiques ont fait des progrès constants au cours du XIXe siècle, en commençant par la fondation de l'Instituto di Corrispondenza à Rome en 1828 (plus tard l'Institut archéologique allemand), suivie de l'étude pionnière d'Eduard Gerhard. Auserlesene Griechische Vasenbilder (1840 à 1858), la création de la revue Archaeologische Zeitung en 1843 et le Ecole d'Athènes 1846. C'est Gerhard qui a le premier esquissé la chronologie que nous utilisons maintenant, à savoir : orientalisant (géométrique, archaïque), figure noire, figure rouge, polychrome (hellénistique).

Enfin c'était le catalogue de 1854 d'Otto Jahn Vasensammlung de la Pinacothèque de Munich, qui a établi la norme pour la description scientifique de la poterie grecque, enregistrant les formes et les inscriptions avec une rigueur jamais vue auparavant. L'étude de Jahn était le manuel standard sur l'histoire et la chronologie de la poterie grecque pendant de nombreuses années, mais en commun avec Gerhard, il a daté l'introduction de la technique des figures rouges à un siècle plus tard que ce n'était en fait le cas. Cette erreur a été corrigée lorsque les Aρχαιολογικη'Εταιρεια ont entrepris les fouilles de l'Acropole en 1885 et ont découvert les soi-disant « débris persans » de pots à figures rouges détruits par les envahisseurs perses en 480 av. Avec une chronologie plus solidement établie, il était possible pour Adolf Furtwängler et ses étudiants dans les années 1880 et 90 de dater les strates de ses fouilles archéologiques par la nature de la poterie qui s'y trouvait, une méthode de sériation que Flinders Petrie devait plus tard appliquer aux non peints. poterie égyptienne.

Là où le XIXe siècle fut une période de découvertes grecques et d'établissement des premiers principes, le XXe siècle en fut une de consolidation et d'industrie intellectuelle. Les efforts pour enregistrer et publier la totalité des collections publiques de vases ont commencé avec la création du Corpus vasorum antiquorum sous Edmond Pottier et les archives Beazley de John Beazley.

Beazley et d'autres qui l'ont suivi ont également étudié des fragments de poterie grecque dans des collections institutionnelles et ont attribué de nombreuses pièces peintes à des artistes individuels. Les chercheurs ont appelé ces fragments disjecta membrane (latin pour "parties éparses") et dans un certain nombre de cas ont pu identifier des fragments maintenant dans différentes collections qui appartiennent au même vase. [6]

Les noms que nous utilisons pour les formes de vases grecs sont souvent une question de convention plutôt que de fait historique, quelques-uns illustrent leur propre utilisation ou sont étiquetés avec leurs noms d'origine, d'autres sont le résultat de la tentative des premiers archéologues de réconcilier l'objet physique avec un objet connu. nom de la littérature grecque – pas toujours avec succès. Pour comprendre la relation entre forme et fonction, la poterie grecque peut être divisée en quatre grandes catégories, données ici avec des types communs : [2] [7] [8]

  • récipients de stockage et de transport, y compris l'amphore, pithos, pelike, hydria, pyxis,
  • récipients de mélange, principalement pour colloques ou buveurs masculins, y compris le cratère, et les dinos,
  • cruches et tasses, plusieurs types de kylix aussi simplement appelés tasses, kantharos, phiale, skyphos, oinochoe et loutrophoros,
  • vases pour huiles, parfums et cosmétiques, dont le grand lécythe, et les petits aryballe et alabastron.

Outre ces fonctions utilitaires, certaines formes de vases étaient surtout associées aux rituels, d'autres à l'athlétisme et au gymnase. [9] Toutes leurs utilisations ne sont pas connues, mais là où il y a une incertitude, les érudits font de bonnes suppositions immédiates sur l'utilisation qu'aurait pu servir une pièce. Certains ont une fonction purement rituelle, par exemple

Certains navires ont été conçus comme des pierres tombales. Les cratères marquaient les places des mâles et les amphores marquaient celles des femelles. [10] Cela les a aidés à survivre, et c'est pourquoi certains dépeignent des processions funéraires. [11] Les lécythes blancs moulus contenaient l'huile utilisée comme offrande funéraire et semblent avoir été fabriqués uniquement avec cet objet à l'esprit. De nombreux exemples ont une deuxième tasse cachée à l'intérieur pour donner l'impression d'être plein d'huile, en tant que tels, ils n'auraient servi à aucun autre gain utile.

Il y avait un marché international pour la poterie grecque depuis le 8ème siècle avant JC, qu'Athènes et Corinthe ont dominé jusqu'à la fin du 4ème siècle avant JC. [12] Une idée de l'étendue de ce commerce peut être glanée en traçant les cartes de découverte de ces vases en dehors de la Grèce, bien que cela ne puisse pas expliquer les cadeaux ou l'immigration. Seule l'existence d'un marché de l'occasion pouvait expliquer le nombre de panathénaïques retrouvés dans les tombes étrusques. Les marchandises du sud de l'Italie en vinrent à dominer le commerce d'exportation en Méditerranée occidentale alors qu'Athènes perdait de son importance politique pendant la période hellénistique.

Le processus de fabrication d'un pot et de cuisson est assez simple. La première chose dont un potier a besoin est d'argile. L'argile à haute teneur en fer de l'Attique a donné à ses pots une couleur orange. [13]

Fabrication Modifier

Lévigation Modifier

Lorsque l'argile est extraite du sol pour la première fois, elle est pleine de roches, de coquillages et d'autres objets inutiles qui doivent être enlevés. Pour ce faire, le potier mélange l'argile avec de l'eau et laisse couler toutes les impuretés au fond. C'est ce qu'on appelle la lévigation ou l'élutriation. Ce processus peut être fait plusieurs fois. Plus cela est fait, plus l'argile devient lisse.

Roue Modifier

L'argile est ensuite malaxée par le potier et placée sur un tour. Une fois que l'argile est sur le tour, le potier peut la façonner dans l'une des nombreuses formes illustrées ci-dessous, ou tout ce qu'il désire. La poterie au tour remonte à environ 2500 av. La plupart des vases grecs étaient fabriqués au tour, bien que, comme pour les Rhyton, des pièces moulées (pièces dites "en plastique") soient également trouvées et des éléments décoratifs formés à la main ou par moule ont été ajoutés aux pots jetés. Des pièces plus complexes étaient fabriquées en pièces puis assemblées lorsqu'il était dur en cuir au moyen d'un assemblage avec une barbotine, où le potier retournait au tour pour le façonnage ou le tournage final. Parfois, un jeune homme aidait à tourner le volant. [15] [16]

Barbotine d'argile Modifier

Une fois le pot réalisé puis le potier le peint avec une barbotine d'argile à grain ultra fin la peinture a été appliquée sur les zones destinées à devenir noires après cuisson, selon les deux styles différents, à savoir la figure noire et la figure rouge. [17] Pour la décoration, les peintres de vases utilisaient des pinceaux de différentes épaisseurs, des outils de pointage pour les incisions et probablement des outils à poil unique pour les lignes en relief [18]

Une série d'études analytiques a montré que l'éclatant noir brillant aux reflets métalliques, si caractéristique de la poterie grecque, émergeait de la fraction colloïdale d'une argile illitique à très faible teneur en oxyde de calcium. Cette barbotine d'argile était riche en oxydes et hydroxydes de fer, se différenciant de celle utilisée pour le corps du vase en termes de teneur en calcium, de composition minérale exacte et de granulométrie. La fine suspension d'argile utilisée pour la peinture a été soit produite en utilisant plusieurs additifs défloculants à l'argile (potasse, urée, lie de vin, cendres d'os, cendres d'algues, etc.) Des études récentes ont montré que certains oligo-éléments dans la glaçure noire (le Zn en particulier) peuvent être caractéristiques des lits d'argile utilisés dans l'Antiquité. En général, différentes équipes de chercheurs proposent différentes approches concernant la production de la barbotine d'argile utilisée dans l'Antiquité. [19] [20] [21]

Tir Modifier

La poterie grecque, contrairement à la poterie d'aujourd'hui, n'a été cuite qu'une seule fois, avec un processus très sophistiqué. [22] L'effet de couleur noire a été obtenu en modifiant la quantité d'oxygène présente pendant le tir. Cela a été fait dans un processus connu sous le nom de cuisson triphasée impliquant des conditions oxydantes-réductrices alternées. Tout d'abord, le four a été chauffé à environ 920-950 °C, avec tous les évents ouverts apportant de l'oxygène dans la chambre de cuisson et tournant à la fois le pot et la barbotine d'un brun rougeâtre (conditions oxydantes) en raison de la formation d'hématite (Fe2O3) à la fois dans la peinture et dans le corps d'argile. Ensuite, l'évent a été fermé et du bois vert introduit, créant du monoxyde de carbone qui transforme l'hématite rouge en magnétite noire (Fe3O4) à ce stade, la température diminue en raison d'une combustion incomplète. Dans une phase finale de réoxydation (à environ 800-850 °C), le four a été ouvert et de l'oxygène a été réintroduit, faisant redevenir rouge orangé l'argile réservée non glissée tandis que la zone de glissement sur le vase qui avait été frittée/vitrifiée lors de la phase précédente , ne pouvait plus s'oxyder et restait noir.

Alors que la description d'une seule cuisson à trois étapes peut sembler économique et efficace, certains chercheurs affirment qu'il est également possible que chacune de ces étapes se limite à des cuissons distinctes [23] dans lesquelles la poterie est soumise à plusieurs cuissons, d'atmosphère différente. . En tout cas, la reproduction fidèle du procédé impliquant un travail expérimental poussé qui a conduit à la création d'une unité de production moderne à Athènes depuis 2000, [24] a montré que les vases anciens pouvaient avoir subi de multiples cuissons en trois temps après repeinture ou comme une tentative de correction des défauts de couleur [19] La technique qui est surtout connue sous le nom de "technique de réduction du fer" a été décodée avec la contribution de savants, de céramistes et de scientifiques du milieu du XVIIIe siècle à la fin du XXe siècle, c'est-à-dire Comte de Caylus (1752), Durand-Greville (1891), Binns et Fraser (1925), Schumann (1942), Winter (1959), Bimson (1956), Noble (1960, 1965), Hofmann (1962), Oberlies ( 1968), Pavicevic (1974), Aloupi (1993). Des études plus récentes de Walton et al. (2009), Walton et al.(2014), Lühl et al.(2014) et Chaviara & Aloupi-Siotis (2016) en utilisant des techniques analytiques avancées fournissent des informations détaillées sur le processus et les matières premières utilisées. [25]

Peinture sur vase Modifier

L'aspect le plus familier de la poterie grecque antique est constitué de vases peints de belle qualité. Ce n'étaient pas les poteries de tous les jours utilisées par la plupart des gens, mais elles étaient suffisamment bon marché pour être accessibles à un large éventail de la population.

Peu d'exemples de peinture grecque antique ont survécu, de sorte que les érudits modernes doivent retracer le développement de l'art grec ancien en partie à travers la peinture sur vase grecque antique, qui survit en grande quantité et est également, avec la littérature grecque ancienne, le meilleur guide que nous ayons pour la coutume. la vie et l'esprit des anciens Grecs.

Âge de pierre Modifier

La poterie grecque remonte à l'âge de pierre, comme celles trouvées à Sesklo et Dimini.

Âge du bronze Modifier

La peinture plus élaborée sur la poterie grecque remonte à la poterie minoenne et à la poterie mycénienne de l'âge du bronze, dont quelques exemples ultérieurs montrent la peinture figurative ambitieuse qui allait devenir très développée et typique.

Âge du fer Modifier

Après de nombreux siècles dominés par des styles de décoration géométrique, devenant de plus en plus complexes, les éléments figuratifs reviennent en force au VIIIe siècle. De la fin du VIIe siècle à environ 300 av.

Au cours de l'âge des ténèbres grec, qui s'étend du XIe au VIIIe siècle av. J.-C., le premier style dominant était celui de l'art protogéométrique, utilisant principalement des motifs décoratifs circulaires et ondulés. Cela a été remplacé en Grèce continentale, en mer Égée, en Anatolie et en Italie par le style de poterie connu sous le nom d'art géométrique, qui employait des rangées soignées de formes géométriques. [26]

La période de la Grèce archaïque, commençant au VIIIe siècle av. J.-C. et jusqu'à la fin du Ve siècle av. remplacé les motifs géométriques. [12]

Le décor en céramique classique est dominé principalement par la peinture de vase attique. La production du grenier a été la première à reprendre après l'âge des ténèbres grec et a influencé le reste de la Grèce, en particulier la Béotie, Corinthe, les Cyclades (en particulier Naxos) et les colonies ioniennes dans l'est de la mer Égée. [27] La ​​production de vases était en grande partie l'apanage d'Athènes – il est bien attesté qu'à Corinthe, Béotie, Argos, Crète et Cyclades, les peintres et potiers se contentaient de suivre le style attique. À la fin de la période archaïque, les styles de poterie à figures noires, de poterie à figures rouges et de la technique du fond blanc étaient pleinement établis et continueraient d'être utilisés à l'époque de la Grèce classique, du début du Ve à la fin du IVe siècle av. Corinthe a été éclipsée par les tendances athéniennes puisqu'Athènes était l'ancêtre des styles à figures rouges et à fond blanc. [12]

Styles protogéométriques Modifier

Les vases de la période protogéométrique (vers 1050-900 av. J.-C.) représentent le retour de la production artisanale après l'effondrement de la culture du palais mycénienne et les âges sombres grecs qui ont suivi. C'est l'un des rares modes d'expression artistique en dehors de la joaillerie à cette époque puisque la sculpture, l'architecture monumentale et la peinture murale de cette époque nous sont inconnues. Vers 1050 av. J.-C., la vie dans la péninsule grecque semble s'être suffisamment installée pour permettre une nette amélioration de la production de faïence. Le style se limite au rendu de cercles, de triangles, de lignes ondulées et d'arcs, mais placé avec une considération évidente et une dextérité notable, probablement aidés par la boussole et les pinceaux multiples. [28] Le site de Lefkandi est l'une de nos plus importantes sources de céramiques de cette période où une cache d'objets funéraires a été trouvée, témoignant d'un style protogéométrique euboïen distinctif qui a duré jusqu'au début du 8ème siècle. [29]

Style géométrique Modifier

L'art géométrique a prospéré aux IXe et VIIIe siècles av. Il se caractérise par de nouveaux motifs, rompant avec la représentation des périodes minoenne et mycénienne : méandres, triangles et autres décors géométriques (d'où le nom du style) par opposition aux figures à prédominance circulaire du style précédent. Cependant, notre chronologie pour cette nouvelle forme d'art provient de marchandises exportées trouvées dans des contextes datables à l'étranger.

Avec le style géométrique primitif (environ 900-850 av. ), le décor figuratif fait son apparition : ce sont d'abord des bandes identiques d'animaux tels que chevaux, cerfs, chèvres, oies, etc. qui alternent avec les bandes géométriques. Parallèlement, la décoration se complique et devient de plus en plus ornée le peintre hésite à laisser des espaces vides et les remplit de méandres ou de croix gammées. Cette phase est nommée horreur vacui (peur du vide) et ne cessera qu'à la fin de la période géométrique.

Au milieu du siècle commencent à apparaître des figures humaines dont les représentations les plus connues sont celles des vases trouvés à Dipylon, l'un des cimetières d'Athènes. Les fragments de ces grands vases funéraires montrent principalement des processions de chars ou de guerriers ou des scènes funéraires : πρόθεσις/prothesis (exposition et lamentation des morts) ou ἐκφορά/ekphora (transport du cercueil au cimetière). Les corps sont représentés de façon géométrique à l'exception des mollets, qui sont assez protubérants. Dans le cas des soldats, un bouclier en forme de diabolo, appelé « bouclier dipylon » en raison de son dessin caractéristique, recouvre la partie centrale du corps. Les jambes et l'encolure des chevaux, les roues des chars sont représentées les unes à côté des autres sans perspective. La main de ce peintre, ainsi appelée en l'absence de signature, est le Maître Dipylon, a pu être identifiée sur plusieurs pièces, notamment des amphores monumentales. [31]

At the end of the period there appear representations of mythology, probably at the moment when Homer codifies the traditions of Trojan cycle in the Iliade et le Odyssée. Here however the interpretation constitutes a risk for the modern observer: a confrontation between two warriors can be a Homeric duel or simple combat a failed boat can represent the shipwreck of Odysseus or any hapless sailor.

Lastly, are the local schools that appear in Greece. Production of vases was largely the prerogative of Athens – it is well attested that as in the proto-geometrical period, in Corinth, Boeotia, Argos, Crete and Cyclades, the painters and potters were satisfied to follow the Attic style. From about the 8th century BC on, they created their own styles, Argos specializing in the figurative scenes, Crete remaining attached to a more strict abstraction. [32]

Orientalizing style Edit

The orientalizing style was the product of cultural ferment in the Aegean and Eastern Mediterranean of the 8th and 7th centuries BC. Fostered by trade links with the city-states of Asia Minor, the artifacts of the East influenced a highly stylized yet recognizable representational art. Ivories, pottery and metalwork from the Neo-Hittite principalities of northern Syria and Phoenicia found their way to Greece, as did goods from Anatolian Urartu and Phrygia, yet there was little contact with the cultural centers of Egypt or Assyria. The new idiom developed initially in Corinth (as Proto-Corinthian) and later in Athens between 725 BC and 625 BC (as Proto-Attic). [33]

It was characterized by an expanded vocabulary of motifs: sphinx, griffin, lions, etc., as well as a repertory of non-mythological animals arranged in friezes across the belly of the vase. In these friezes, painters also began to apply lotuses or palmettes. Depictions of humans were relatively rare. Those that have been found are figures in silhouette with some incised detail, perhaps the origin of the incised silhouette figures of the black-figure period. There is sufficient detail on these figures to allow scholars to discern a number of different artists' hands. Geometrical features remained in the style called proto-Corinthian that embraced these Orientalizing experiments, yet which coexisted with a conservative sub-geometric style.

The ceramics of Corinth were exported all over Greece, and their technique arrived in Athens, prompting the development of a less markedly Eastern idiom there. During this time described as Proto-Attic, the orientalizing motifs appear but the features remain not very realistic. The painters show a preference for the typical scenes of the Geometrical Period, like processions of chariots. However, they adopt the principle of line drawing to replace the silhouette. In the middle of the 7th century BC, there appears the black and white style: black figures on a white zone, accompanied by polychromy to render the color of the flesh or clothing. Clay used in Athens was much more orange than that of Corinth, and so did not lend itself as easily to the representation of flesh. Attic Orientalising Painters include the Analatos Painter, the Mesogeia Painter and the Polyphemos Painter.

Crete, and especially the islands of the Cyclades, are characterized by their attraction to the vases known as “plastic”, i.e. those whose paunch or collar is moulded in the shape of head of an animal or a man. At Aegina, the most popular form of the plastic vase is the head of the griffin. The Melanesian amphoras, manufactured at Paros, exhibit little knowledge of Corinthian developments. They present a marked taste for the epic composition and a horror vacui, which is expressed in an abundance of swastikas and meanders.

Finally one can identify the last major style of the period, that of Wild Goat Style, allotted traditionally to Rhodes because of an important discovery within the necropolis of Kameiros. In fact, it is widespread over all of Asia Minor, with centers of production at Miletos and Chios. Two forms prevail oenochoes, which copied bronze models, and dishes, with or without feet. The decoration is organized in superimposed registers in which stylized animals, in particular of feral goats (from whence the name) pursue each other in friezes. Many decorative motifs (floral triangles, swastikas, etc.) fill the empty spaces.

Black-figure technique Edit

Black-figure is the most commonly imagined when one thinks about Greek pottery. It was a popular style in ancient Greece for many years. The black-figure period coincides approximately with the era designated by Winckelmann as the middle to late Archaic, from c. 620 to 480 BC. The technique of incising silhouetted figures with enlivening detail which we now call the black-figure method was a Corinthian invention of the 7th century [34] and spread from there to other city states and regions including Sparta, [35] Boeotia, [36] Euboea, [37] the east Greek islands [38] and Athens.

The Corinthian fabric, extensively studied by Humfry Payne [39] and Darrell Amyx, [40] can be traced though the parallel treatment of animal and human figures. The animal motifs have greater prominence on the vase and show the greatest experimentation in the early phase of Corinthian black-figure. As Corinthian artists gained confidence in their rendering of the human figure the animal frieze declined in size relative to the human scene during the middle to late phase. By the mid-6th century BC, the quality of Corinthian ware had fallen away significantly to the extent that some Corinthian potters would disguise their pots with a red slip in imitation of superior Athenian ware.

At Athens researchers have found the earliest known examples of vase painters signing their work, the first being a dinos by Sophilos (illus. below, BM c. 580), this perhaps indicative of their increasing ambition as artists in producing the monumental work demanded as grave markers, as for example with Kleitias's François Vase. Many scholars consider the finest work in the style to belong Exekias and the Amasis Painter, who are noted for their feeling for composition and narrative.

Circa 520 BC the red-figure technique was developed and was gradually introduced in the form of the bilingual vase by the Andokides Painter, Oltos and Psiax. [41] Red-figure quickly eclipsed black-figure, yet in the unique form of the Panathanaic Amphora, black-figure continued to be utilised well into the 4th century BC.

Red-figure technique Edit

The innovation of the red-figure technique was an Athenian invention of the late 6th century. It was quite the opposite of black-figure which had a red background. The ability to render detail by direct painting rather than incision offered new expressive possibilities to artists such as three-quarter profiles, greater anatomical detail and the representation of perspective.

The first generation of red-figure painters worked in both red- and black-figure as well as other methods including Six's technique and white-ground the latter was developed at the same time as red-figure. However, within twenty years, experimentation had given way to specialization as seen in the vases of the Pioneer Group, whose figural work was exclusively in red-figure, though they retained the use of black-figure for some early floral ornamentation. The shared values and goals of The Pioneers such as Euphronios and Euthymides signal that they were something approaching a self-conscious movement, though they left behind no testament other than their own work. John Boardman said of the research on their work that "the reconstruction of their careers, common purpose, even rivalries, can be taken as an archaeological triumph" [42]

The next generation of late Archaic vase painters (c. 500 to 480 BC) brought an increasing naturalism to the style as seen in the gradual change of the profile eye. This phase also sees the specialization of painters into pot and cup painters, with the Berlin and Kleophrades Painters notable in the former category and Douris and Onesimos in the latter.

By the early to high classical era of red-figure painting (c. 480–425 BC), a number of distinct schools had evolved. The Mannerists associated with the workshop of Myson and exemplified by the Pan Painter hold to the archaic features of stiff drapery and awkward poses and combine that with exaggerated gestures. By contrast, the school of the Berlin Painter in the form of the Achilles Painter and his peers (who may have been the Berlin Painter's pupils) favoured a naturalistic pose usually of a single figure against a solid black background or of restrained white-ground lekythoi. Polygnotos and the Kleophon Painter can be included in the school of the Niobid Painter, as their work indicates something of the influence of the Parthenon sculptures both in theme (e.g., Polygnotos's centauromachy, Brussels, Musées Royaux A. & Hist., A 134) and in feeling for composition.

Toward the end of the century, the "Rich" style of Attic sculpture as seen in the Nike Balustrade is reflected in contemporary vase painting with an ever-greater attention to incidental detail, such as hair and jewellery. The Meidias Painter is usually most closely identified with this style.

Vase production in Athens stopped around 330–320 BC possibly due to Alexander the Great's control of the city, and had been in slow decline over the 4th century along with the political fortunes of Athens itself. However, vase production continued in the 4th and 3rd centuries in the Greek colonies of southern Italy where five regional styles may be distinguished. These are the Apulian, Lucanian, Sicilian, Campanian and Paestan. Red-figure work flourished there with the distinctive addition of polychromatic painting and in the case of the Black Sea colony of Panticapeum the gilded work of the Kerch Style. Several noteworthy artists' work comes down to us including the Darius Painter and the Underworld Painter, both active in the late 4th century, whose crowded polychromatic scenes often essay a complexity of emotion not attempted by earlier painters. Their work represents a late mannerist phase to the achievement of Greek vase painting.

White ground technique Edit

The white-ground technique was developed at the end of the 6th century BC. Unlike the better-known black-figure and red-figure techniques, its coloration was not achieved through the application and firing of slips but through the use of paints and gilding on a surface of white clay. It allowed for a higher level of polychromy than the other techniques, although the vases end up less visually striking. The technique gained great importance during the 5th and 4th centuries, especially in the form of small lekythoi that became typical grave offerings. Important representatives include its inventor, the Achilles Painter, as well as Psiax, the Pistoxenos Painter, and the Thanatos Painter.

Relief and plastic vases Edit

Relief and plastic vases became particularly popular in the 4th century BC and continued being manufactured in the Hellenistic period. They were inspired by the so-called "rich style" developed mainly in Attica after 420 BC. The main features were the multi-figured compositions with use of added colours (pink/reddish, blue, green, gold)and an emphasis on female mythological figures. Theatre and performing constituted yet one more source of inspiration.

Delphi Archaeological Museum has some particularly good examples of this style, including a vase with Aphrodite and Eros. The base is round, cylindrical, and its handle vertical, with bands, covered with black colour. The female figure (Aphrodite) is depicted seated, wearing an himation. Next to her stands a male figure, naked and winged. Both figures wear wreaths made of leaves and their hair preserve traces of golden paint. The features of their faces are stylized. The vase has a white ground and maintains in several parts the traces of bluish, greenish and reddish paint. It dates to the 4th century BC.

In the same room is kept a small lekythos with a plastic decoration, depicting a winged dancer. The figure wears a Persian head cover and an oriental dress, indicating that already in that period oriental dancers, possibly slaves, had become quite fashionable. The figure is also covered with a white colour. The total height of the vase is 18 centimeters and it dates to the 4th century BC.

Hellenistic period Edit

The Hellenistic period, ushered in by the conquests of Alexander the Great, saw the virtual disappearance of black and red-figure pottery yet also the emergence of new styles such as West Slope Ware in the east, the Centuripe Ware in Sicily, and the Gnathia vases to the west. [43] Outside of mainland Greece other regional Greek traditions developed, such as those in Magna Graecia with the various styles in South Italy, including Apulian, Lucanian, Paestan, Campanian, and Sicilian. [12]

Inscriptions on Greek pottery are of two kinds the incised (the earliest of which are contemporary with the beginnings of the Greek alphabet in the 8th century BC), and the painted, which only begin to appear a century later. Both forms are relatively common on painted vases until the Hellenistic period when the practice of inscribing pots seems to die out. They are by far most frequently found on Attic pottery.

A number of sub-classes of inscription can be distinguished. Potters and painters occasionally signed their works with epoiesen et egraphsen respectivement. Trademarks are found from the start of the 6th century on Corinthian pieces these may have belonged to an exporting merchant rather than the pottery workfield and this remains a matter of conjecture.) Patrons' names are also sometimes recorded, as are the names of characters and objects depicted. At times we may find a snatch of dialogue to accompany a scene, as in ‘Dysniketos's horse has won’, announces a herald on a Panathenaic amphora (BM, B 144). More puzzling, however, are the kalos and kalee inscriptions, which might have formed part of courtship ritual in Athenian high society, yet are found on a wide variety of vases not necessarily associated with a social setting. Finally there are abecedaria and nonsense inscriptions, though these are largely confined to black-figure pots. [44]

Greek terracotta figurines were another important type of pottery, initially mostly religious, but increasingly representing purely decorative subjects. The so-called Tanagra figurines, in fact made elsewhere as well, are one of the most important types. Earlier figurines were usually votive offerings at temples.

Several clay vases owed their inspiration to metalwork forms in bronze, silver and sometimes gold. These were increasingly used by the elite when dining, but were not placed in graves, where they would have been robbed, and were often treated as a store of value to be traded as bullion when needed. Very few metal vessels have survived as at some point they were melted down and the metal reused.

In recent decades many scholars have questioned the conventional relationship between the two materials, seeing much more production of painted vases than was formerly thought as made to be placed in graves, as a cheaper substitute for metalware in both Greece and Etruria. The painting itself may also copy that on metal vessels more closely than was thought. [45]

The Derveni Krater, from near Thessaloniki, is a large bronze volute krater from about 320 BC, weighing 40 kilograms, and finely decorated with a 32-centimetre-tall frieze of figures in relief representing Dionysus surrounded by Ariadne and her procession of satyrs and maenads.

The alabastron's name suggests alabaster, stone. [46] Glass was also used, mostly for fancy small perfume bottles, though some Hellenistic glass rivalled metalwork in quality and probably price.


Le musée J. Paul Getty

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Attic Black-Figure Komast Cup

Painter of Copenhagen 103 (Greek) 9.7 × 26.1 cm (3 13/16 × 10 1/4 in.) 79.AE.128

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Détails de l'objet

Titre:

Attic Black-Figure Komast Cup

Artiste/fabricant :
Culture:
Endroit:

Athens, Greece (Place Created)

Moyen:
Numéro d'objet :
Dimensions:

9.7 × 26.1 cm (3 13/16 × 10 1/4 in.)

Credit Line:
Titre alternatif :

Wine Cup with Revelers (Display Title)

Département:
Classification:
Type d'objet:
Description de l'objet

Six komasts or revelers dance around the sides of this Athenian black-figure cup. Participants in the singing and dancing after a symposium (male drinking party), komasts were a particularly fitting decoration for a cup used at such an occasion. Komasts have a distinctive vigorous dance. They stand on one leg, with one arm forward and one arm back, and they often hold drinking horns or cups while dancing. Although some dancers wore short padded tunics, most are shown naked, as these are.

Vase-painters portrayed komasts on several types of vessels in the early 500s B.C., but they appeared so frequently on a special form of cup with a deep, curved body, an offset lip, and a short spreading foot that scholars call it a komast cup. These cups were always decorated in a similar way. In addition to the dancers, they all have a floral design under the handles, a simple pattern--usually rosettes--on the lip, a zone of rays above the foot, and a black interior. Komast cups were popular and widely exported from about 580 to 560 B.C.

Provenance
Provenance

Malcolm Wiener (New York, New York), donated to the J. Paul Getty Museum, 1979.

Des expositions
Des expositions
Paintings on Vases in Ancient Greece (April 11 to September 15, 1980)
Greeks in the Boot: Greek Influence in Ancient Italy as Reflected in the Pottery of Various Regions (October 5, 2013 to May 17, 2014)
  • Robert V. Fullerton Art Museum, California State University, San Bernardino, October 5, 2013 to May 17, 2014
Bibliographie
Bibliographie

Brijder, H.A.G. Siana Cups I and Komast Cups. Amsterdam: 1983, p. 71.

Kirsch, Eva. Greeks in the Boot: Greek Influences in the Italian Peninsula As Reflected in the Pottery of Various Regions, ca. 800-200 B.C., ex. chat. (San Bernardino: California State University San Bernardino, Robert and Frances Fullerton Museum of Art, 2014), Part One Catalog, entry 8, (full-page illustration).

Education Resources
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In this visual arts lesson students develop criteria for value and meaning of ceramic vessels and create a timeline to place objects in history.

Lesson plans exploring ceramic vessels. Students discuss function, historic context, and create their own clay vessels.

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Rustin worked with A. Philip Randolph on the March on Washington Movement, in 1941, to press for an end to racial discrimination in employment. Rustin later organized Freedom Rides, and helped to organize the Southern Christian Leadership Conference to strengthen Martin Luther King Jr.'s leadership and teaching King about nonviolence he later served as an organizer for the March on Washington for Jobs and Freedom.[1] Rustin worked alongside Ella Baker, a co-director of the Crusade for Citizenship, in 1954 and before the Montgomery bus boycott, he helped organize a group, called "In Friendship", amongst Baker, George Lawrence, Stanley Levison of the American Jewish Congress, and some other labor leaders. "In Friendship" provided material and legal assistance to those being evicted from their tenant farms and households in Clarendon County, Yazoo, and other places.[2] Rustin became the head of the AFL–CIO's A. Philip Randolph Institute, which promoted the integration of formerly all-white unions, and promoted the unionization of African Americans. During the 1970s and 1980s, Rustin served on many humanitarian missions, such as aiding refugees from Communist Vietnam and Cambodia. At the time of his death in 1987, he was on a humanitarian mission in Haiti.

Rustin was a gay man, who had been arrested, early in his career, for engaging in public sex (in a parked car),[3] though he was posthumously pardoned. Due to criticism over his sexuality, he usually acted as an influential adviser behind the scenes to civil-rights leaders. In the 1980s, he became a public advocate on behalf of gay causes, speaking at events as an activist and supporter of human rights.[4]

Later in life, while still devoted to securing workers' rights, Rustin joined other union leaders in aligning with ideological neoconservatism, and (after his death) President Ronald Reagan praised him.[5][6][7] On November 20, 2013, President Barack Obama posthumously awarded Rustin the Presidenti


San Ildefonso Pueblo, Po-woh-ge-oweenge

Po-Woh-Geh-Owingeh is the Tewa name for San Ildefonso Pueblo. Ça veut dire Where the Water Cuts Through in the Tewa language. Beginning around the 1200s, residents of Mesa Verde began migrating south in search of better water sources. By the 1300s, people living in the Tsankawi area of what is now Bandelier National Monument began moving closer to the Rio Grande for more consistent supplies of water and settled where San Ildefonso is today.

San Ildefonso is the home of the potter Maria Martinez, whose elegantly polished Black-on-black pottery is valued by collectors worldwide. The pueblo is one of the best known of all New Mexico pueblo villages because of the highly skilled male painters-both of pottery and easel art-and the beautiful blackware pottery produced since the early 1900s.

It is generally accepted that the first pueblo painters emerged from San Ildefonso in the year 1900. At that time, San Ildefonso had a population of 138 Tewa-speaking Indians and one non-native resident: elementary school teacher Ester Hoyt, who arrived at San Ildefonso in 1900 and departed in 1907.

Hoyt provided her students with watercolor paints and paper and told them to paint pictures of pueblo ceremonial dances. At the time, the government's policies were intended to discourage students from embracing their Native culture. Why would a government teacher go against government policy? Perhaps she was looking for a way to understand her pupils through their lifeways and to win their confidence so she could comply with government policies. Alternately, she perhaps did not agree with government policy and chose to teach in her own manner. In this small classroom, a generation of talented artists came into existence. Her first-year class included Tonita Peña, Alfredo Montoya, Alfonso Roybal, Santana Roybal (later, Martinez), Abel Sanchez and Romando Vigil.

For more than 100 years, San Ildefonso has been the center of tradition and innovation.

The pueblo is located twenty-two miles northwest of Santa Fe, New Mexico. Its Feast Day is January 23rd honoring their patron saint: San Ildefonso.


Le président Garfield assassiné. Le président Garfield a été abattu le 2 juillet, il est décédé le 19 septembre. Le vice-président Chester A. Arthur (républicain) a succédé à Garfield en tant que président.

Fondation de l'Institut Tuskegee. Booker T. Washington est devenu le premier directeur du Tuskegee Institute à Tuskegee, Alabama, le 4 juillet. Tuskegee est devenu le principal établissement de formation professionnelle pour les Afro-Américains.

Ségrégation des transports en commun. Les wagons de chemin de fer séparés du Tennessee, suivis de la Floride (1887), du Mississippi (1888), du Texas (1889), de la Louisiane (1890), de l'Alabama, du Kentucky, de l'Arkansas et de la Géorgie (1891), de la Caroline du Sud (1898), de la Caroline du Nord (1899) , Virginie (1900), Maryland (1904) et Oklahoma (1907).

Loi sur les droits civiques annulée. Le 15 octobre, la Cour suprême a déclaré le Civil Rights Act de 1875 inconstitutionnel. La Cour a déclaré que le quatorzième amendement interdit aux États, mais pas aux citoyens, de discriminer.

Sojourner Truth meurt. Sojourner Truth, abolitionniste courageux et ardent et brillant orateur, est décédé le 26 novembre.

Un coup politique et une émeute raciale. Le 3 novembre, les conservateurs blancs de Danville, en Virginie, ont pris le contrôle du gouvernement local, racialement intégré et élu par le peuple, tuant quatre Afro-Américains dans le processus.

Lynchages. Cinquante-trois Noirs américains auraient été lynchés en 1883.

Cleveland élu président. Grover Cleveland (démocrate) a été élu président le 4 novembre.

Lynchages. Cinquante et un Noirs américains auraient été lynchés en 1884.

Un évêque épiscopal noir. Le 25 juin, l'Afro-américain Samuel David Ferguson a été ordonné évêque de l'église épiscopale.

Lynchages. On sait que 74 Noirs américains ont été lynchés en 1885.

Le massacre de Carrollton. Le 17 mars, 20 Noirs américains sont massacrés à Carrollton, Mississippi.

Le travail s'organise. La Fédération américaine du travail a été organisée le 8 décembre, signalant la montée du mouvement ouvrier. Tous les grands syndicats de l'époque excluaient les Noirs américains.

Lynchages. On sait que 74 Noirs américains ont été lynchés en 1886.

Deux des premières banques afro-américaines. Deux des premières banques américaines appartenant à des Noirs - la Caisse d'épargne de l'Ordre uni des réformateurs de la Grande Fontaine, à Richmond en Virginie, et la Banque d'épargne Capital de Washington, DC, ont ouvert leurs portes.

Harrison élu président. Benjamin Harrison (républicain) a été élu président le 6 novembre.

Lynchages. On sait que 69 Noirs américains ont été lynchés en 1888.

Recensement de 1890.
Population américaine : 62 947 714
Population noire : 7 488 676 (11,9%)

La Ligue afro-américaine. Le 25 janvier, sous la houlette de Timothy Thomas Fortune, la Ligue nationale afro-américaine militante est fondée à Chicago.

Les Afro-Américains sont privés de leurs droits. Le plan Mississippi, approuvé le 1er novembre, a utilisé des tests d'alphabétisation et de "compréhension" pour priver les citoyens noirs américains du droit de vote. Des statuts similaires ont été adoptés par la Caroline du Sud (1895), la Louisiane (1898), la Caroline du Nord (1900), l'Alabama (1901), la Virginie (1901), la Géorgie (1908) et l'Oklahoma (1910).

Un suprémaciste blanc est élu. Le populiste « Pitchfork Ben » Tillman a été élu gouverneur de Caroline du Sud. Il a qualifié son élection de "triomphe de la suprématie blanche".

Lynchages. Quatre-vingt-cinq Noirs américains auraient été lynchés en 1890.

Grover Cleveland est élu président. Grover Cleveland (démocrate) a été élu président le 8 novembre.

Lynchages. Cent soixante et un Noirs américains auraient été lynchés en 1892.

La grève Pullman. La grève de la Pullman Company a provoqué une crise nationale des transports. Le 11 mai, des Afro-Américains ont été embauchés par l'entreprise comme briseurs de grève.

Lynchages. Cent trente-quatre Noirs américains auraient été lynchés en 1894.

Douglas meurt. Le leader et homme d'État afro-américain Frederick Douglass est décédé le 20 février.

Une émeute raciale. Les Blancs ont attaqué des travailleurs noirs à la Nouvelle-Orléans les 11 et 12 mars. Six noirs ont été tués.

Le compromis d'Atlanta. Booker T. Washington a prononcé son célèbre discours "Atlanta Compromise" le 18 septembre à l'Atlanta Cotton States Exposition. Il a déclaré que le "problème nègre" serait résolu par une politique de gradualisme et d'accommodement.

La Convention Nationale Baptiste. Plusieurs organisations baptistes se sont combinées pour former la Convention baptiste nationale des États-Unis. L'église baptiste est la plus grande confession religieuse noire des États-Unis.

Lynchages. Cent treize Noirs américains auraient été lynchés en 1895.

Plessy c. Ferguson. La Cour suprême a décidé le 18 mai en Plessy c. Ferguson que les installations "séparées mais égales" satisfont aux garanties du quatorzième amendement, donnant ainsi une sanction légale aux lois de ségrégation Jim Crow.

Les femmes noires s'organisent. L'Association nationale des femmes de couleur a été formée le 21 juillet. Mary Church Terrell a été choisie présidente.

McKinley élu président. Le 3 novembre, William McKinley (républicain) est élu président.

George Washington sculpteur. George Washington Carver a été nommé directeur de la recherche agricole au Tuskegee Institute. Son travail a fait progresser la culture de l'arachide, de la patate douce et du soja.

Lynchages. Soixante-dix-huit Noirs américains auraient été lynchés en 1896.

American Negro Academy. L'American Negro Academy a été créée le 5 mars pour encourager la participation afro-américaine dans l'art, la littérature et la philosophie.

Lynchages. Cent vingt-trois Noirs américains auraient été lynchés en 1897.

La guerre hispano-américaine. La guerre hispano-américaine débute le 21 avril. Seize régiments de volontaires noirs sont recrutés dont quatre combattent. Cinq Noirs américains ont remporté des médailles d'honneur du Congrès.

Le Conseil national afro-américain. Fondé le 15 septembre, le Conseil national afro-américain a élu l'évêque Alexander Walters comme premier président.

Une émeute raciale. Le 10 novembre, à Wilmington, en Caroline du Nord, huit Noirs américains ont été tués lors d'émeutes blanches.

Compagnies d'assurance appartenant à des Noirs. La North Carolina Mutual and Provident Insurance Company et la National Benefit Life Insurance Company de Washington, DC ont été créées. Les deux sociétés appartenaient à des Noirs.

Lynchages. On sait que cent un Noirs américains ont été lynchés en 1898.

Une manifestation de lynchage. Le Conseil afro-américain a désigné le 4 juin comme journée nationale de jeûne pour protester contre les lynchages et les massacres.

Lynchages. Quatre-vingt-cinq Noirs américains auraient été lynchés en 1899.

Recensement de 1900.
Population américaine : 75 994 575
Population noire : 8 833 994 (11,6 %)

Lynchages. Cent six Noirs américains ont été lynchés en 1900.

Une exposition universelle. L'Exposition de Paris a eu lieu et le pavillon des États-Unis abritait une exposition sur les Noirs américains. L'Exposition des Nègres d'Amérique a remporté plusieurs prix d'excellence. La collection d'œuvres de et sur les Noirs américains de Daniel A. P. Murray a été développée pour cette exposition.

Les travaux suivants ont été des sources précieuses dans la compilation de cette Time Line : Lerone Bennett's Avant le Mayflower (Chicago : Johnson Publishing Co., 1982), W. Augustus Low et Virgil A. Clift's Encyclopédie de l'Amérique noire (New York : Da Capo Press, 1984), et Harry A. Ploski et Warren Marr L'almanach nègre (New York : Bellwether Co., 1976).


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